LUMINOUS PAINTING
: Reincarnation of Painting and Nature, The Cycle of Creation and Dissolution
발광하는 회화 : 회화와 자연의 윤회, 생성과 소멸의 사이클
SOLO SHOW
March 2025
Paintings
LUMINOUS PAINTING :
An Aesthetic Ode to the Life and Death of Images
Critical Essay on the Exhibition by
Jo Kyungjin (Critic, Research Professor)
발광하는 회화:
이미지의 삶과 죽음에 대한 미적 찬가
조경진(비평, 연구교수)
ARTIST STATEMENT
Painting and A Journey in Search of Humanity : Painting - Video - Digital Images
회화 그리고 인간성을 찾아가는 여정
Painting - Video - Digital images
When encountering Riiwon’s works, what immediately captures our attention is the overwhelming sense that her images are luminous. This is true not only for her digital works but, in a slightly different way, for her paintings as well. This is the first impression her work evokes—the atmosphere her creations emit. Along with this overall impression, equally significant is the fact that a single theme in her work undergoes a continuous process of transformation, and that this transformation takes place within the context of a larger project. For example, in the video work Candies (2022), the process of transformation, looping, and the consecutive forms of the motif images are printed in multiples and draped from the ceiling to the floor, hinting that the transformation of the images could continue indefinitely. Thus, while her works may appear to be separate pieces, they follow the paradigm of contemporary exhibitions that treat the entire display as a single medium.
Considering these two significant aesthetic characteristics, approaching Riiwon's work requires us to explore why her images are luminous, how they are luminous, why they are not static, and why they continually seek to change their form. We must even ask why these images evolve through different media such as painting, video, photography, installation, and web formats.
The initial series Luminous Paintings emerged from a technical and media-focused question: How can the aesthetic properties of digital display screens be embodied in the material form of painting? It seems a natural conclusion for painting to reflect the aesthetic characteristics of the pervasive digital images of contemporary image ecosystems, as well as their technical and material conditions. Though this is a retrospective interpretation, this aesthetic desire may not simply be the act of transferring digital properties into a painting, but may also be an intention to make painting digital. However, considering the context of her later works, it seems that this initial moment was a fascination with the fact that images themselves are luminous. The Dying Artist (2023) and Candies literally glow. Yet, there is a significant difference between merely glowing and creating the perception of glowing through orchestration and manipulation. The artist's task is the latter.
To say an image is luminous optically due to the digital screen is to describe only a small part of her work. She avoids dark colors that absorb light, such as those in the darker end of the spectrum, and instead primarily uses colors like magenta, cyan, and light pink, which inherently emit light. The texture is similarly manipulated. The Candies series, which began with photographs of temple lanterns, was digitally transformed by removing the material texture or the forms that suggest such textures, resulting in an image that feels inherently digital. The sense of space is similarly transformed; while the image is overly digitalized, it is flattened almost to the level of the luminous surface of a digital screen, guiding the viewer towards the luminosity of the surface rather than any depth. Furthermore, the use of complementary color contrasts makes each color more distinct and vivid, contributing to the effect of the image being luminous. Highlights play a key role in simulating the visible phenomenon and effects of luminosity. The twinkling sparkle forms placed across the screen not only enhance the recognition of image luminosity but also augment the sensory experience. These sparkles are perceived as glittering, reinforcing the impression that the image is luminous. Moreover, the dynamic reproduction of this twinkling phenomenon through the video's temporality further intensifies the perception. The shapes themselves, being pure white and diffusing a strong light, heighten the overall sense of the image being luminous. These devices and effects are continued without much variation in The Dying Artist, where softer gradient effects using purple, pink, lavender, and pale yellow hues contribute to a smoothly luminous effect across the entire image.
At this stage, it becomes clear that Riiwon’s obsession with the luminous image is not merely a matter of media or aesthetics. The dazzling, sparkling screen in The Dying Artist contrasts sharply with the image of a dying human, producing an ironic statement that permeates her work. For her, death is not the eternal disappearance, absence, or sorrowful separation associated with conventional notions, nor is it a source of sensory fear or pain. Rather, like the luminous screen, death is a brilliant and radiant phenomenon. For her, death is not the end for the individual but rather a rebirth, a continuous cycle of life and reincarnation in new forms and bodies. Life and death are simply two aspects of the same process. Therefore, death is a glorious event. This is why her video works grow increasingly radiant as the artist fades away—because, paradoxically, the moment of dying approaches the moment of rebirth, the crossing point between life and death.
This insight helps us understand why she continues to generate transformations of a single motif image and why she shifts and circulates between various media formats. Her work is broadly divided into two parts: one focused on video-based works, and the other on traditional painting-based works. In fact, both parts are exhibited in equal measure in this exhibition. The painting works, while the starting point of the Luminous Images project, share a worldview and thematic continuity with the video works. Her paintings, like her videos, are luminous. Much like her video works, all the hues in her paintings are tinted with primary and mixed colors to form subtle layers of light, creating a smooth and luminous effect across the entire surface of the canvas. Riiwon typically begins with an almost abstract drawing of the feelings evoked by a particular object or image, and then pours her specially mixed paints onto the canvas in the form of this drawing. The different colors of paint unpredictably yet naturally blend and intermingle as they dry. The result is the abstract images we see. She provides only the basic diagram for the materials to follow, and beyond that, her intervention is minimal. The rest is left to the materials to form their own shapes and images. She wishes for the materials to create their own forms and images. Just as the dying artist escapes material boundaries and reincarnates as a digital image in a virtual world, objects now reincarnate into the form of painting. Just as images move between formats—digital, painting, print, video, etc.—Riiwon believes that the cycle of existence cannot escape the formal constraints of its format. Human beings must, after all, use the physical body in this world. When an image enters the format of painting, it can only exist within the materiality of painting, depending on that materiality. This is the intrinsic nature of existence and images within their formats. This is why she aims to generate images that are material and natural in nature: it is because this is the cosmic order of existence and images.
In the end, her work is an aesthetic hymn to the eternal order of the universe, where death leads directly to rebirth. Her work is both a reflection of Riiwon’s detached attitude toward life and death, and a poetic expression of her metaphysical understanding of the universe. Her work is the result of her worldview and aspirations, transcending mere aesthetics. However, what draws us to Riiwon not as a human being but as an artist is her approach to understanding and processing the circulation and transformation of images, the aesthetic properties of luminosity, and her formal use of media languages and visuality. Particularly notable is her method of production, where she minimizes her intentions and allows the materials to generate images on their own, or her layered approach to accumulating effects using mobile apps to manipulate digital images. This approach sensually embodies the material, technological, and conceptual paradigms of image production in contemporary times. Her work is both a reflection on the cosmic fate of existence and a meditation on the contemporary destiny of images.
홍리원의 작업들을 대면할 때 우리의 주목을 끄는 건 단연 그의 이미지들이 발광하고 있다는 느낌을 준다는 사실이다. 디지털 이미지는 물론이고, 방식은 조금 다르지만, 회화 작업도 그렇다. 이것이 그의 작업이 주는 첫 번째 인상, 그의 작업이 풍기는 분위기다. 작업 전체의 인상과 더불어, 이 인상과 대등한 정도의 주목도로 주어지는 것은 한 테마의 이미지가 일련의 연속적인 변형 생성을 하고 있다는 사실, 나아가 이 변형의 과정이 큰 프로젝트 안에서 일어나고 있다는 인상이다. 이를테면, <Candies>(2022) 비디오 작업에서 이미지의 변형 생성 과정과 루프, 그 모티프 이미지의 연속적인 변형 형태들을 다수 프린트해 천장에서 바닥으로 드레이핑한 설치 작업은 이미지들의 변형 생성이 무한하게 이어질 수 있음을 암시한다. 그래서 그의 작업은 개별적으로 보이기도 하지만, 실은 전시 전체를 하나의 매체로 간주하는 동시대 전시의 패러다임을 따른다. 이 중요한 두 미적 특성을 고려하면, 홍리원의 작업에 다가가려면, 그의 이미지가 왜 발광하는지, 그리고, 어떻게 발광하는지, 그 이미지는 멈춰 있지 않고, 왜 자신의 양태를 영원히 바꾸려 하는지, 심지어 왜 그 이미지는 회화, 비디오, 사진, 설치, 웹 등의 매체를 바꾸며 살아가는지 말해야 한다.
최초 <발광하는 회화> 연작은 기술적, 매체적 관점에서 어떻게 하면 디지털 디스플레이 화면의 미적 속성을 그대로 물질적인 회화가 가질 수 있을지의 고민에서 시작됐다. 회화가 동시대의 이미지 생태와 기술적, 물질적 조건, 즉 만연한 디지털 이미지의 미적 속성을 반영하려는 일은 자연스러운 귀결처럼 보인다. 사후적 해석이지만, 이런 미적 열망은 단순히 디지털 속성을 회화 이미지에 부여하는 것일 수도 있지만, 반대로 회화를 디지털적인 것으로 만들려는 의도일 수도 있다. 하지만, 그 이후의 작업의 맥락을 보면, 이 최초의 계기는 이미지가 발광한다는 그 자체의 사실에 매혹된 사건으로 보인다. <The Dying Artist>(2023)나 <Candies>는 말 그대로 발광한다. 하지만, 그저 발광하는 것과 발광하는 것으로 느껴지게 하고 연출하고 조작하는 일은 전혀 다르다. 예술가의 임무는 후자의 일이다. 디지털 화면의 특성상 광학적으로 발광한다고 말하는 건 그의 작업의 극히 일부만 말할 뿐이다. 그는 빛을 흡수하는 어두운 계열의 색을 최대한 자제하고, 마젠타나 사이언, 연핑크 같이 그 자체로 빛을 발하는 색들을 주로 안배한다. 텍스쳐도 마찬가지다. 절의 연등 사진에서 시작된 <Candies> 작업은 디지털로 변환되면서 원래 사물이 갖던 물질적인 질감, 혹은 그런 물질적인 질감을 암시하는 형태들을 지워내면서 태생적으로 디지털인 것 같은 이미지로 보이게 만든다. 공간감도 그렇다. 이미지는 과도하게 디지털화면서도 다소 남아 있는 재현적 공간 외에 질적으로는 디지털 화면의 발광 표면과 거의 같은 수준으로 평면화되면서, 우리를 깊이가 아니라 표면의 발광으로 유도한다. 뿐만 아니라, 보색 대비에 가까운 색 조합은 각각의 색이 더 뚜렷하고 선명하게 만들기에, 이미지가 발광하는 것처럼 보이게 만드는 데 일조한다. 하이라이트는 발광의 가시적 현상과 효과를 재현적으로 시뮬레이션하는 연출 방식이다. 화면 곳곳에 배치돼 있는 반짝이는 트윙클 스파클 형태는 이미지 발광의 효과를 인식은 물론 감각적으로도 강화한다. 트윙클 스파클은 경험적 인식 상 반짝인다는 인지를 주면서 이미지가 발광하고 있다고 인식하게 만든다. 나아가, 이는 비디오의 시간성을 통해 그 트윙클 현상을 동적으로 재현하면서 인식은 증강된다. 또 형태 자체로도 명도가 높은 순백의 색상이고, 그 강한 빛이 주변으로 퍼지는 디퓨젼 효과도 전체 이미지가 발광하고 있다는 느낌을 강화한다. 이러한 장치와 효과는 <The Dying Artist>에서도 큰 차이 없이 그대로 이어진다. 앞서와 비슷한 장치를 쓰면서도, 이 작업에선 퍼플, 핑크, 연보라, 연노랑의 색들을 쓰면서도 빛이 번지는 것 같은 소프트 그라데이션 효과들로 연출됐고, 전체적으로 원색에 틴트를 주어 파스텔톤을 띠면서도, 고명도를 쓰기에 화면 전체는 부드럽게 발광하는 효과를 자아낸다.
이 단계에 이르면, 그가 과도하게 이미지의 발광에 몰두하는 이유가 그저 매체적이고 미적인 문제만은 아니라고 짐작할 수 있다. <The Dying Artist>에서 찬란하고 화려한, 눈부시게 반짝이는 화면, 과도하게 블링블링한 화면은 죽어가는 인간 이미지와 대비되며 곧바로 그의 작업을 관통하는 핵심 아이러니를 생산한다. 그에게 죽음은 영원한 소멸이나 부재, 이별의 아픔, 감각적 두려움이나 고통 같은 게 아니다. 오히려, 발광하는 화면처럼 죽음은 화려하고 찬란한 현상이다. 그에게 죽음이란 지금 죽어가는 개체에만 소멸일뿐, 오히려 새로운 것으로의 환생이자 새로운 삶과 몸으로 윤회하는 일이다. 죽음과 삶은 한 과정의 다른 측면일 뿐이다. 그러니, 죽음은 이 얼마나 찬란한 일인가. 그래서 그의 비디오 작업은 예술가가 죽어갈수록 더 화려하게 빛을 발한다. 죽어갈수록 반대로 환생의 순간, 죽음과 삶의 경계를 지나는 순간에 다가가니 말이다.
이렇게 보면, 그가 왜 하나의 모티프 이미지를 계속 변형 생성하는지, 왜 다른 매체 포맷들로 이동시키고 순환하게 하는지 이해된다. 그의 작업은 크게 두 파트로 되어 있다. 하나는 위의 비디오 기반 작업들이고, 다른 하나는 전통적인 회화 매체 기반의 작업이다. 실제로 이번 전시도 둘은 같은 밀도로 전시됐다. 회화 작업은 ‘발광하는 이미지’ 프로젝트의 출발점이었으면서, 비디오 작업과 세계관이나 프로젝트 연속성을 공유한다. 그의 회화도 발광한다. 비디오 작업처럼, 회화의 모든 색조는 원색과 혼합색에 틴트를 넣어 미세한 빛의 층을 형성하고 이는 화면 전체에 유려하고 부드러운 발광의 분위기를 자아낸다. 홍리원은 특정 대상이나 이미지가 환기하는 느낌을 거의 추상적으로 드로잉한 뒤, 그 드로잉 이미지를 포맷으로 자신이 조색한 물감을 캔버스에 흘려 붓는다. 다른 색의 물감들은 예측하기 힘든 방식으로, 하지만, 물질적으로 자연스럽게 서로 스며들고 혼합되며 건조된다. 그 결과가 우리가 보는 추상적 이미지들이다. 그는 그저 물감 물질에 기초 다이어그램을 주었고, 그 외에는 거의 개입하지 않는다. 나머지는 물질들이 스스로 형성한다. 그는 물질이 스스로 형태와 이미지가 되길 바란다. 죽어가는 예술가는 물질적 틀을 벗고 디지털 이미지, 가상 세계로 윤회했듯, 사물들은 이제 회화 이미지로 윤회한다. 이미지가 디지털, 회화, 프린트, 비디어 등의 특정한 포맷으로 이동하는 것처럼, 홍리원은 존재의 윤회도 존재의 형식적 포맷에서 벗어날 수 없다고 생각한다. 인간은 어쨌건 현실 세계에서는 육신의 틀을 써야 한다. 이미지가 회화 포맷을 입을 때, 그것은 회화의 그 물질성 안에서, 물질성에 의존해서만 존재할 수 있다. 존재나 이미지의 포맷 내재성이다. 이것이 그가 물질적이고 자연스러운 이미지의 생성을 의도하는 이유다. 그것이 존재와 이미지의 우주적 섭리기 때문이다.
결국, 그의 작업은 죽음이 곧 재탄생의 순간으로 이어지는 우주의 영원한 질서에 대한 미적 찬가이다. 그의 작업은 홍리원이 삶과 죽음을 바라보는 초연한 태도이자, 윤희의 존재론이며, 우주에 대한 형이상학적 이해의 시적 형식이다. 그의 작업은 그의 미학을 넘어 그의 세계관과 염원의 결과물이다. 하지만, 우리가 인간 홍리원이 아니라, 예술가로서 홍리원에 주목하는 건, 그가 이미지를 이미지의 순환과 변형 생성의 형식 원리와 발광의 미적 속성을 시각성으로나 매체 언어로 이해하고 처리하는 방식과 그 질적 성취 때문이다. 특히, 그가 자신의 의도를 최대한 지우고, 물질들이 스스로 이미지를 생성해 가도록 하는 제작 방식, 모바일 앱을 이용해 디지털 이미지에 효과들을 중층적으로 누적하는 방식은 이미지의 본성과 생산 방식에 대한 동시대의 물질적, 기술적 조건, 사유 패러다임을 감각적으로 구현하고 있다. 그의 작업은 존재의 우주론적 운명인 동시에 이미지의 동시대적 운명에 관한 이야기다.
The Cycle of Body and Mind
In my work, material mediation is likened to the human body in life, and I am conducting a study on how the forms in which the work is revealed continuously change. This is similar to the nature of the world. If we closely examine opposing elements such as ‘life and death, male and female (sex/gender), race, species, material and immaterial, as well as the beginning and end, inside and outside,’ we find that the precise boundaries are ambiguous and overlap. These elements become so intertwined that they eventually reach a point where they cannot be distinguished, ultimately coming back full circle to the beginning (painting).
I expand my research based on the modes of existence in the real world, grounded in human reproduction, as well as the traces of life. At the same time, all of these are interconnected and permeate each other, which is why there are no clear boundaries in my paintings regarding form or color. All of my images are like snapshots, capturing scenes that encircle us. They reflect a world in constant motion, like a vast ecosystem, continuously flowing without pause. The captured scenes bring to light the essence within them, which is why they appear somewhat unfamiliar, as though shot with a special camera, rather than the colors and landscapes we typically encounter in daily life.
Therefore, each scene in my paintings, photographs, and videos is akin to a moment captured from a continuous sequence of scenes, as in film. For me, regardless of the medium, these are all one scene or landscape—what is referred to as a "scene" in film. I think of each video frame as though I have produced countless paintings. The scenes in my work change rapidly and dramatically, often based on color, with still images playing an important role.
The colors emphasized in my work are hues that are not commonly seen in nature or everyday domestic landscapes. They generally possess a vibrant appearance, with colors and light that differ from reality. This vibrancy includes beauty, which relates to my thoughts on human nature.
육체와 정신의 순환
나의 작업에서 물질매개는 인간 삶에서 육체에 비유되며, 점차 작업이 드러나는 형식(존재 양태)이 연속해서 변화하는 연구를 하고 있는데 이것은 세상의 모습과 비슷하다. ‘삶과 죽음, 남성과 여성(sex/gender), 인종(race), 종(species), 물질과 비물질, 그리 고 처음과 끝, 안과 밖’과 같은 이러한 대립요소들을 자세히 들여다 보자면, 정확한 구분지점이란 불가능한 모호한 경계면으로 중첩되어 있다. 이러한 것들은 서로 얽혀 결국 구분할 수 없는 지점에 이르기 때문에 돌고 돌아서 다시 처음(회화)으로 돌아온다.
나는 인간의 생식에 기반한 현실세계의 존재 양태와, 삶의 흔적들을 확장하여 연구한다. 한편 이 모든것은 하나로 연결되고 서로 투과 되므로 나의 회화에는 형이나 색의 경계가 없다. 나의 이미지 모두는 일종의 스냅샷으로, 우리 주위를 에워싸듯 펼쳐지는 장면들을 포착한 것들이다. 정지됨 없이 거대한 생태계로 움직이고 흘러가는 세계 라는 양태를 포착한다. 포착한 장면은 그 안의 실체를 낚아 올린 것이기 때문에 우리가 일반적인 삶의 세계에서 보는 색채와 풍경이 아닌, 마치 어떠한 특수 카메라로 촬영한 모습처럼 다소 생경하다.
따라서 회화 사진, 영상의 각 장면은 모두 이러한 카메라로 연속중인 장면을 순간에 포착한 것들과 같다. 나에게 매체의 여부와 관계없이 이것들은 모두 하나의 장면 혹은 풍경 —영화에서 scene 이라 칭하는— 하나의 화면이다. 영상의 각 장면을, 나는 무수히 많은 회화를 생산한 것처럼 생각하고 있다. 때문에 작품의 장면들은 매우 빠르고 과감하게 색채를 기반하여 변화하며, 스틸이미지가 중요하다.
작업에서 강조되는 색채들은 평소 자연이나 일상의 주거풍경에서 흔히 볼 수 없는 색조다. 현실과 다른 색채와 빛을 띄면서 대체로 화려한 외형을 갖도록 의도하곤 한다. 이 화려함에는 아름다움도 포함되어 있는데, 이는 인간의 본질에 관한 생각과 관련되어 있다.
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